Der Flucht vor der BBC-Isierung der Kultur

Rückblick auf The Motive and the Cue, Noël Coward Theatre Vor einigen Monaten kursierte ein Bild von einigen Büchern, die im Geschenkeladen des National Theatre zum Verkauf standen. Es ist mittlerweile eine gängige Aussage zu sagen, dass Orte wie das National Theatre und sein Geschenkeladen tatsächlich keine Brutstätten für irgendeine Art von Avantgarde sind. Sie finden die gleichen Bücher im Schaufenster von Waterstones. Aber es steckt noch etwas anderes in diesen Büchern. Keines von ihnen hat etwas mit Theater zu tun. Dies spricht für eine andere Art von Provinzialismus. Im Großbritannien von 2024 existieren keine separaten Disziplinen oder Medien mehr. Alle diese Aktivitäten sind jetzt zu einem abstrakten „Kultur“ zusammengefasst, das angenommen wird, dass es städtische, moralische und pädagogische Eigenschaften hat. Kreative Bestrebungen sind jetzt einfach Teil eines breiteren öffentlichen Sphären-Melanges. Und so, wenn wir uns im Jahr 2024 im National Theatre befinden, findet Kultur mit großem K statt, etwas, das ein bisschen Kunst, ein bisschen Geschichte, ein bisschen verschiedene soziale Fragen und vor allem eine zusammengefasste Erzählung für das Publikum beinhalten muss. Dies kann den Gefühl des Job-Lots dieser alltäglichen Auswahl erklären: Bücher über digitale Verschwörungen, Bücher über Rasse, Bücher über Klima, Bücher über Gesundheitswesen, Bücher über Postliberalismus, populäre Geschichten aus der georgianischen Ära. Wir befinden uns an einem kulturellen Ort, also ist es Zeit, die Denkmützen aufzusetzen. Dies hat viel mit dem kulturellen Monopol der BBC zu tun, die von Anfang an den Auftrag hatte, sowohl zu unterhalten als auch zu informieren – und am besten beides miteinander zu verbinden. Dies hat der BBC und tatsächlich dem britischen öffentlichen Leben seitdem ein Infotainment-Gefühl gegeben: Man kann dies in Shows wie Parade’s End (2012) beobachten, in denen die Charaktere einfach Chiffren für die sich duellierenden Weltanschauungen der edwardianischen Ära sind. Ich bin kürzlich auf ein besonders konzentriertes Beispiel dafür gestoßen, das eine Diskussion zwischen David Aaronovitch, Nigella Lawson, Christopher Hitchens und Muriel Spark über Bernhard Schlinks Der Vorleser (1997) war, der eine gewöhnliche Liebesgeschichte zwischen einem Jungen und einer älteren Frau aufpeppen will, indem er enthüllt, dass die Heldin eine kleine Rolle bei der Endlösung hatte. Hitchens und Spark sind ziemlich abweisend gegenüber dem Buch, was Aaronovitch und Nigella verwirrt zurücklässt. Haben sie nicht erkannt, dass der Roman vom Holocaust handelt? Für die beiden Letzteren reicht es aus, dass etwas große Ideen angeht, um es als Kunstwerk zu rechtfertigen oder zumindest eine gewisse Grundkudos zu verdienen. Es wäre sehr einfach gewesen, wenn Jack Thornes neues Stück The Motive and the Cue dieser grundlegenden poppigen pädagogischen Linie gefolgt wäre. Motive handelt von John Gielgud und Richard Burtons Inszenierung von Hamlet aus dem Jahr 1964, die in gewöhnlicher Kleidung statt in historischen Kostümen aufgeführt wurde. Gielgud ist ein stattlicher Schauspieler im Niedergang, Burton ein großer Hollywood-Star; und jeder respektiert den anderen für diese Qualitäten. Auch in der Frage, wie die titelgebende Figur gespielt werden sollte, sind sich Burton und Gielgud nicht einig: Burton will Sturm und Drang und rohe Qual, aber Gielgud hält ihn zurück. Ein perfekter Ausgangspunkt also für ein informatives Stück darüber, was passiert, wenn sich duellierende Theorien des Schauspielens treffen, oder sogar für den Wechsel der Wache in der englischen Theaterwelt der Mitte des Jahrhunderts. Zu seiner Ehre nimmt Motive nicht diesen einfachen Weg. Fast nichts wird aus der neuartigen Prämisse der Inszenierung gemacht, und Gielgud und Burton präsentieren einander nie eine ausgearbeitete Theorie des Theaters – genauso wenig wie Peter Shaffers Amadeus auf die duellierenden deutschen und italienischen Opernstile einging. Es gibt zum Glück keine Art von diskursiver Szene in Motive, in der Burton etwas schreit wie: „Nun, ich denke, dass das Theater uns etwas fühlen lassen muss!“ Motive hat den Mut, auf diese Krücken zu verzichten, und spielt sich stattdessen als psychologisches Drama über zwei Künstler. Wie Amadeus ist dies ein Stück über Talent, Eifersucht und weltlichen Erfolg. Unsere Helden können einander nicht ausstehen; aber jeder erkennt den anderen als seinen einzigen ebenbürtigen Kollegen an und sie werden zunehmend genervt von allem und jedem, der sie von ihrem Todeskampf ablenkt. Alles andere wird richtig ausgeblendet. Ein junger William Redfield wird kurz als eine Art Publikumsvertreter vorgestellt, durch den wir vermutlich durch die Magie des Theaters geführt werden sollen, aber er darf weise im Hintergrund des zweiten Akts verschwinden. Ebenso widersteht Motive der Versuchung, etwas Dünnes über die Kunst im Allgemeinen zu sagen: An einer Stelle fragt Gielguds Assistent ihn, was die Relevanz von Shakespeare für die Welt der 1960er Jahre ist, er zuckt nur abgelenkt mit den Schultern, sein Geist bei Burton und dem Stück, und die Idee wird fallengelassen. Die persönliche Dynamik zwischen den beiden entwickelt sich auf interessante Weise. Entgegen unserer Erwartungen trägt Gielgud seine Gefühle offen zur Schau und kann es nicht lassen, seine dunkelsten Ängste jedem zu offenbaren, dem er begegnet, während Burton nur angespannte Künstlichkeit ist. Als psychologisches Drama gelingt es Motive letztendlich jedoch nicht. Der zentrale Konflikt des Stücks tritt viel zu früh ein und erreicht seinen Höhepunkt. Gielgud und Burton sind praktisch schon beim ersten Tischlesen aneinander geraten, und in der Mitte des ersten Akts schreit Burton bereits Obszönitäten. Burton und Gielgud haben eine Reihe von explosiven, aber letztendlich flüchtigen Zusammenstößen, die jeder scheinbar sofort vergisst. Letztendlich ist Elizabeth Taylor, die auch hier ist, zu geschickt darin, alles zu glätten, und so scheint das Ganze jegliches emotionales Risiko zu vermissen. Selbst die Inszenierung fühlt sich nie ernsthaft gefährdet an. Am Ende wird alles ordentlich aufgelöst, als Taylor Gielgud von Burtons schwierigem Vater erzählt. Dies ermöglicht es Burton, Hamlets Beziehung zu seinem Vater und damit die gesamte Rolle zu entschlüsseln. Es ist schade, dass die Dinge so enden – Gielgud und Burton sind zwei erfahrene Schauspieler, die als Falstaff, Lear, Macbeth, Prospero die Tiefen der menschlichen Geschichte ausgelotet haben; aber sie können dennoch von solchen poppigen Freud’schen Plattitüden umgeworfen werden. Es ist ein Zeugnis für ihre anhaltende Faszination für unsere Vorstellungskraft bis in die 2020er Jahre – selbst der Barde ist ihnen anscheinend nicht gewachsen. In den letzten Momenten von Motive, als Yoricks Schädel zum ersten Mal präsentiert wird, informieren uns die Bildschirme an der Seite der Bühne, dass das Stück tatsächlich ein großer Erfolg war und dass Gielgud, der uns als Figur des traurigen Niedergangs präsentiert wird, tatsächlich „von Erfolg zu Erfolg“ ging. In den letzten zwei Stunden haben Burton und Gielgud in dieser Inszenierung alles aufs Spiel gesetzt, daher ist es schade, dass dieses Gefühl des künstlerischen Risikos in letzter Sekunde untergraben wird. Motive entscheidet sich dafür, lediglich eine Darstellung einer Episode in der Geschichte des Theaters zu sein; es ist vergleichbar mit einem Nachwort in Amadeus, das uns sagt, dass Salieri Mozart tatsächlich nicht gehasst hat und dass seine Arbeit heute eine kritische Wiederbelebung erlebt. In diesen beiden Nervenverlusten gelingt es Motive leider nicht, seinen kreativen Ausbruch aus dem Geschenkeladen des National Theatre zu schaffen, und es ruht neben Zehn Grub Street Bed Bouncers aus der georgianischen Ära (Faber and Faber, 2013)

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Escaping the BBC-ification of Culture

Review of The Motive and the Cue, Noël Coward Theatre A few months ago a picture circulated of some books for sale in the National Theatre’s gift shop. It’s now a commonplace to say that places like the National Theatre and its gift shop aren’t, in fact, the forcing houses for any kind of avant garde. You’ll find the same books in the window of Waterstones. But there’s something else to these books. None of them have anything to do with theatre. This speaks to another kind of parochialism. In the Britain of 2024, separate disciplines or media do not exist. All of these pursuits are now balled into an abstract ‘Culture’, which is assumed to have civic, moral and

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